27 mai 2022 14h30
Après les Oscars, le Palme D’k est le prix de film le plus prestigieux de l’entreprise, et c’est beaucoup moins prévisible. Venant d'un jury généralement composé d'acteurs et de réalisateurs, il arrive comme le résultat d'un débat furieux et de valeurs souvent conflictuelles sur la nature de la forme d'art. Il n’existe pas de formule mathématique pour prédire la palme d’Or, et les suppositions éduquées peuvent être trompeuses, mais cela vaut toujours la peine.
Donné au festival depuis 1955, le prix d'or représente le summum du prestige pour le cinéaste qui le reçoit. Alors que Cannes se présente comme le lien du plus grand cinéma de la planète, le prix est une extension de cette mentalité, et il invite les gagnants dans un club exclusif qui couvre l'histoire du cinéma. Les bénéficiaires de la Palme d'Or sont allés de «Black Orpheus» et «La Dolce Vita» à «Apocalypse maintenant.«Dans certains cas, le prix a oint les talents émergents, comme Apichatpong Weerasethakul avec« Oncle Boonmee qui se souvient de sa vie passée »ou Ruben Ostlund avec« la place »; Chez d'autres, il a donné l'occasion de célébrer un cinéaste vétéran au sommet de leur jeu, de Terrence Malick («The Tree of Life») à Ken Loach («Le vent qui secoue l'orge», «I, Daniel Blake» ) à Michael Haneke («Amour», «le ruban blanc»).
La Palme a été remise aux cinéastes d'un large éventail de milieux, bien que seulement deux femmes aient remporté le prix auparavant: Jane Campion («The Piano») et, l'année dernière, Julia Ducourneau («Titane»). L'absence de parité est l'un des nombreux problèmes de représentation pour le festival, mais le jury est à la merci du programme et doit travailler avec ses options.
Le résultat peut aller beaucoup de directions différentes. L'année que Steven Spielberg a dirigé le jury, plusieurs membres voulaient donner la palme au sombre drame russe «Leviathan», mais le prix est plutôt allé à la romance lesbienne «Blue est la couleur la plus chaleureuse.»Et dans l'année que« Toni Erdmann »était un favori critique, le président du jury George Miller aurait détesté ça; Le prix est allé à «I, Daniel Blake."Lorsque Pedro Almodovar a été président, il était un fan passionné de la pièce queer« BPM », mais un manque de consensus de jury a abouti au prix de« The Square."Le président est peut-être une voix importante à la table, mais obtient un vote avec le reste des jurés, et il est impossible de savoir s'il peut trouver un terrain d'entente jusqu'à l'avant-dernier jour du festival lorsque la délibération a lieu.
Que fera le jury de cette année? Encore une fois, cette question n'a pas de réponse évidente, mais il y a des indices qui aideront à informer les possibilités car le concours de 21 films de cette année se déroule au cours du festival. Le jury est dirigé par l'acteur français Vincent Lindon, qui était à Cannes l'année dernière avec un virage physique audacieux en «Titane», mais est généralement connu pour avoir joué dans des drames socialement conscients racontés par des points de vue plus traditionnels (comme la mesure de 2016 d'un homme », qui lui a décroché un prix Cannes pour le meilleur acteur). Penelope Cruz était initialement censé diriger le jury, mais a dû abandonner en raison de problèmes de planification.
casino en ligne franceSouvent, les jurys axés sur les acteurs sont enclins à oigner des entreprises émotionnelles plus accessibles, tandis que les cinéastes plaident pour des jeux cinématographiques ambitieux, et les réalisateurs sont en fait plus nombreux que Lindon sur son propre jury. La plupart d'entre eux ont présenté des films récents en compétition au festival: Asghar Farhadi («A Hero»), Ladj Ly («Les Misérables»), Jeff Nichols («Mud») et Joaquim Trier («La pire personne du monde »), Et ils font tous un travail complexe qui jongle sur le cinéma artistique avec un poids émotionnel. Il y a aussi un acteur devenu directeur de Rebecca Hall, dont le «passage» a été créé à Sundance l'année dernière, en plus des acteurs Deepika Pauline, Noomi Rapace et Jasmine Trinca.
Le jury regarde généralement deux à trois films par jour au cours du festival de 12 jours sur la même chronologie que le reste de la foule exclusive. Cela signifie que la Palme d’Or évolue au quotidien. Comme d'habitude, cette liste sera mise à jour tout au long du festival pour refléter le récit changeant. Le classement passe du moins au plus susceptible de gagner, et la liste reflète la qualité de la programmation, les préférences présumées du jury, et tout ce qui se passe de Cannes se déroule dans le Coisette.
Cela signifie que beaucoup de choses peuvent changer, alors continuez à vérifier ici pour les mises à jour dans les jours à venir. La Palme D’Or sera remise lors de la cérémonie de clôture le samedi 28 mai.
20. "Frère et soeur"
"Frère et soeur"
Le réalisateur français Arnaud DeSplechin est un habitué de Cannes qui a tendance à faire des drames familiaux Talky, et sa dernière ne fait pas exception. L'histoire sinistre des frères et sœurs adultes (Melvin Poupaud et Marion Cotillard) qui se disputent sur la jalousie les uns des autres se sont exacerbés lorsque leurs parents se retrouvent à l'hôpital et ils sont obligés de tenter la réconciliation. Les critiques ont été méchants au mélodrame au cœur du film, et avec son intrigue sans aventure, le film a peu de chances d'avoir beaucoup d'impact sur le jury de cette année. Lisez la critique d'Indiewire ici.
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19. "Les huit montagnes"
"Les huit montagnes"
Le réalisateur belge Felix Van Groeningen a été nominé pour un Oscar pour «Broken Circle Breakdown», mais fait sa première apparition dans Cannes Concours avec cette adaptation du roman de 2016, co-réalisé par Charlotte Vandermeersch dans ses débuts. Le magnifique drame pensif regarde une paire d'hommes qui se lient d'amitié avec une ville de montagne reculée pendant l'enfance et développent une relation adulte complexe informée en partie par l'écart de privilège qui a un impact sur leur maturation. À deux heures et demie, cette étude de personnage lourde de voix off manque beaucoup de conflit, il est donc difficile d'imaginer qu'il laisse une grande partie d'un effet durable sur le jury de cette année. Lisez la critique complète d'Indiewire ici.
18. "La femme de Tchaikovsky"
Le réalisateur russe Kirill Serebrennikov a fait la une des journaux controversés en raison de l'oligarque qui a aidé à financer le film, et sa présence même dans la compétition de cette année a suscité le contrecoup en raison de la guerre en Ukraine. Si le film était un favori pour la Palme d'Or, cette discussion deviendrait beaucoup plus compliquée avec le jury de cette année, mais il est peu probable qu'ils remettent le premier prix à ce regard de mauvaise humeur sur la première femme du célèbre compositeur, qui est devenue folle Après avoir découvert sa sexualité. Bien que certains membres du jury puissent apprécier les épanouissements surréalistes et une tentative de compliquer l'histoire culturelle russe, cette réponse est plus susceptible de produire une autre catégorie de victoire comme le scénario. Lisez la critique d'Indiewire ici.
17. "Les étoiles à midi"
"Les étoiles à midi"
La première fois dans la compétition de Claire Denis dans Cannes, car «Chocolat» est un autre effort principalement en anglais du meilleur réalisateur du réalisateur Win for «Fire» à Berlinale plus tôt cette année. Cette fois, elle adapte le roman de Denis Johnson sur un jeune journaliste américain (Margaret Qualley) qui rencontre un homme d'affaires britannique énigmatique (Joe Alwyn) au Nicaragua et développe une romance houleuse avec lui. Parties à l'égalité du mélodrame sensuel et du drame d'espionnage, le film présente des prouesses visuelles et une intensité émotionnelle habituelles de Denis, bien que certains critiques aient été repoussés par l'intrigue à combustion lente et la politique trouble. Le jury peut apprécier les performances du Centre ce qui représente finalement un deux-habitants minimalistes, mais il est presque certain de se concentrer sur d'autres possibilités pour la palme. Lisez la critique d'Indiewire ici.
16. "Forever Young"
L'acteur français devenu réalisateur Valeria Bruni Tedeschi est venu pour la dernière fois à Cannes avec «un château en Italie» en 2013, et revient avec cette œuvre beaucoup plus personnelle des années 80 sur une troupe d'acteur travaillant sous le célèbre directeur de théâtre Patrice Chereau. Le drame d'ensemble suit un groupe d'acteurs acceptés à l'école exclusive de Chereau alors qu'ils traînent, tombent amoureux et affrontent des développements tragiques qui mettent en danger leur avenir. Tedeschi négocie de grands rebondissements pour la construction du monde subtile et persistante dans les complexités d'une histoire de passage à l'âge. Ce manque de drame cohésif peut retenir le film de beaucoup de traction dans la conversation de la palme, bien que certains membres du jury puissent respecter suffisamment sur l'objectif émotionnel de l'œuvre (et sa fixation sur l'évolution de l'identité créative) pour l'oint avec un autre prix, Peut-être pour son scénario.
15. "Nostalgie"
Le nouveau thriller du réalisateur italien Mario Martone suit l'homme d'âge moyen qui retourne à Naples pour voir sa mère et, ce faisant, revisiter le quartier où il a grandi. Dans le processus, de répondre aux besoins de sa mère frêle, il estime à quel point sa vie a changé, ainsi que le monde qui laisse derrière. Cela inclut son propre ami d'enfance, qui est resté et est devenu un méchant local éminent. Les critiques ont été respectueuses mais pas extatiques pour ce regard de mauvaise humeur sur la lutte pour concilier son passé et son présent. Compte tenu de ses émotions narratives et accessibles simples, le film pourrait plaire à certains jurés pour sa cohésion, mais il manque le genre d'émotion singulière qui a tendance à pousser certains prétendants dans le territoire de Palme. Lisez la critique d'Indiewire ici.
14. "Triangle de tristesse"
"Triangle de tristesse"
La première fonctionnalité de langue anglaise du réalisateur suédois Ruben Ostlund (et le premier crédit de mise en scène depuis son gagnant de Palme d'Or «The Square») est une satire de classe sauvage et provocante conçue pour faire en sorte que son public se tortille. Ostlund offre une asymétrie émaillée du monde de la mode qui trouve une jeune paire d'influenceurs de célébrités (Harris Dickinson et Charlbi Dean) comme deux de plusieurs malheureux passagers sur un navire de croisière au bord de la catastrophe à la tête de son capitaine marxiste (Woody Harrelson). Le film commence à un rythme tranquille avant de se précipiter dans le chaos dans une multitude de fluides corporels car tout se trompe ridiculement à bord et quelques survivants se retrouvent lavés sur une île déserte. Le style époustouflant d'Ostlund et le symbolisme évident n'est pas pour tout le monde, et il est difficile d'imaginer que ce titre de division gagnerait suffisamment de membres du jury pour les convaincre que le réalisateur mérite une autre palme. Mais c'est une sorte de Pleaser très cannes, et qui conduira presque certainement à des débats furieux qui pourraient produire une sorte de prix à la fin du festival. Lisez la critique d'Indiewire ici.
13. "Garçon du ciel"
"Garçon du ciel"
Films Samuel Goldwyn
Le directeur suédois-egyptien, Tarik Saleh («l'incident du Nil Hilton») fait ses débuts à Cannes avec ce regard critique sur la corruption dans les institutions religieuses du Caire. L'histoire d'un fils d'un pêcheur (Tawfeek Barhom) d'une ville reculée qui obtient une bourse pour aller à l'école au Caire, le film trouve le jeune homme entraîné dans un scénario de complot dans lequel un agent gouvernemental tente de le transformer en informateur et influence l'élection du nouvel imam. Les critiques ont comparé le film à John Grisham et John Le Carré, car le film utilise une esthétique de thriller sophistiquée pour explorer des questions complexes sur le potentiel des instituts religieux pour exercer le pouvoir sur les facettes de la société. Saleh (qui a été interdit d'Égypte) est le genre de cinéaste socialement conscient dont le travail peut frapper certains jurés comme digne de Palme, bien que l'intrigue plutôt simple du film (et certains trous de l'intrigue) puissent le retenir du consensus. Lisez la critique d'Indiewire ici.
12. "Sainte Spider"
Le réalisateur iranien-danish, Ali Abbasi, revient à Cannes avec son suivi du vainqueur de l'ONU à l'ONU de l'ONU de 2018 «Border» avec un regard inquiétant sur une véritable histoire de crime notoire en Iran: l'histoire de la soi-disant «Spider Killer» Saeed Hanaei (Mehdi Bajestani) qui a assassiné 16 prostituées à Mashad en 2001 avant son arrestation. Hanaei croyait qu'il était en mission sainte pour nettoyer la ville, et après avoir été capturé, beaucoup d'extrémistes locaux - et même quelques médias - étaient d'accord avec lui. Le film explore cette saga exaspérante à travers les yeux d'une journaliste fictive (Zahra Amir Ebrahimi) qui retrace le coupable tout en affrontant la misogynie et l'indifférence des autorités. Abbasi a tourné le film en Jordanie pour faire le tour de la censure iranienne, et le regard critique du film sur le pays contraste avec beaucoup de travail du pays qui a été approuvé par ses censeurs. Cette réalisation de représentation aide cette procédure fondée à se démarquer, et le film a été bien accueilli. En même temps, son approche narrative plutôt simple en fait moins un concurrent de palme que le genre de réussite respectable que le jury peut vouloir reconnaître à travers un autre prix - peut-être la meilleure actrice d'Ebrahimi, faisant son grand retour après avoir été humiliée en Iran et obligé de redémarrer sa carrière à l'étranger. Lisez la critique d'Indiewire ici.
11. "Les frères de Leila"
La première entrée de Cannes du réalisateur iranien Saeed Roustaee (son drame criminel «Just 6.5 ”a été un coup critique) est un drame d'ensemble complexe sur une famille autrefois prospère dans laquelle un homme âgé (Saeed poursamimi) envisage de disperser ou non sa richesse parmi ses cinq enfants. En attendant, la progéniture adulte se chamaille sans cesse, les quatre hommes du ménage tourbillonnant autour de la titulaire Leila Taraneh Alidoosti) alors qu'elle navigue dans leur masculinité toxique et tente de récupérer la stabilité financière de la famille de la famille. Le temps de course épique du film et le récit plutôt simple pourraient le retenir de la considération de Palme, bien que la capacité de Roustaee à jongler avec tant de personnages avec des performances crédibles et une énergie constante signifie que l'appréciation pour cela pourrait persister. À tout le moins, le film devrait figurer en conversations sur les prix des performances et peut-être le scénario.
dix. «Décision de partir»
«Décision de partir»
Courtoisie Festival de Cannes
Le premier long métrage de l'auteur coréen Park Chan-Wook depuis que «The Handmaiden» de 2016 marque un changement notable pour le directeur de genre, mieux connu pour les extrêmes violents de «Sympathie pour M. Vengeance "et" oldboy.«Une sorte de noir romantique qui fait que le public devine jusqu'à la fin, le film met en vedette Hae-il en tant que détective qui devient obsédé par la veuve (Tang Wei) d'un homme qui meurt dans des circonstances mystérieuses dans un accident d'escalade. Au lieu de suivre les battements traditionnels d'un mystère de meurtre, cependant, la «décision de quitter» traite davantage l'enquêteur pour trouver les subtilités des anciens problèmes conjugaux de la veuve, alors même que l'homme affirme avec certains des siens. Le résultat est un travail élégant et même sensible d'un réalisateur qui n'est généralement pas connu pour ces qualités, mais le cinéma habile reste intact. Le film lui-même est un peu un étrange méli-mélo qui se dirige vers un rebond assez prévisible, ce qui signifie que le jury pourrait ne pas vouloir lui donner le premier prix sur une œuvre plus pleinement réalisée. Mais Park est un cinéaste si talentueux qui pourrait encore se retrouver avec une sorte de prix à la fin du festival. Lisez la critique d'Indiewire ici.
9. «RMN»
Il y a quinze ans, le directeur roumain Cristian Mungiu a remporté la Palme d’Or «4 mois, 3 semaines et 2 jours» au plus fort de la nouvelle vague roumaine, et a maintenu une production régulière de succès de Cannes depuis lors. Son drame 2012 «Beyond the Hills» lui a marqué un prix du meilleur scénario et «Graduation» de 2016 lui a valu le meilleur réalisateur. Peu de cinéastes gagnent la Palme plus d'une fois, mais le mélange efficace de réalisme social de Mungiu et de scénarios sombres mais à neté a été si toujours fort qu'il ne serait pas impensable pour lui de mettre l'or une fois de plus. C'est certainement une possibilité pour «RMN», un autre regard sombre et perspicace sur la vie provinciale et les structures de pouvoir inconfortables d'un réalisateur qui y creuse mieux que quiconque. L'histoire d'un homme dyspeptique qui quitte son emploi en Allemagne pour retourner dans son village de Transylvanie, «RMN» se concentre initialement sur ses efforts pour aider son jeune enfant tout en développant une romance avec une femme locale, mais finalement il se développe pour regarder le La façon dont la communauté réagit à l'arrivée de plusieurs travailleurs immigrés. Alors que le protagoniste a été confronté à la xénophobie dans son ancien travail, les nouveaux arrivants sont confrontés au même racisme ici, une ironie qui mène à une série de confrontations tendues et à des conversations captivantes sur les valeurs personnelles et les préjugés. Mélanger le naturalisme nerveux avec des épreuves passionnantes et même un point culminant surréaliste, «RMN» est le travail le plus réalisé de Mungiu depuis «4 mois», mais son formalisme cérébral peut aliéner certains jurés en une année avec une telle étendue d'options d'options.
8. «Pacifiction»
Le réalisateur catalan Albert Serra est un provocateur cinématographique avec une histoire fascinante à Cannes qui comprend son drame Jean-Pierre Leaud «The Death of Louis XIV» et le Hardcore-in-Woods Saga «Liberté» du XVIIIe siècle, qui a joué l'ONU Certains respect en 2019. Son nouveau travail est encore une fois une étude d'hommes puissants qui exploitent des personnes privées de leurs droits, mais opère sur un avion plus onirique qui a déjà invité des comparaisons à Apichatpong Weerasethakul et David Lynch. Benoit Magimel joue dans une performance centrale commémorative en tant que diplomate français qui se rend à Tahiti pour faire le point sur l'île et savourer son autorité là-bas. Une grande partie du film trouve l'homme absorbant la vie insulaire, y compris une séquence extraordinaire dans laquelle il monte des vagues aux côtés des locaux sur un Jetski, et d'autres dans un bar de plongée local qui capturent le malaise répandu. Entre-temps, la paranoïa sur les anciens essais nucléaires dans la région et un éventuel sous-marin caché dans les eaux voisines ajoutent une dose de paranoïa à la procédure qui peut ou non refléter la propre instabilité psychologique du caractère central. En termes d'ambition cinématographique pure, la «Pacifiction» est certainement le travail le plus énigmatique et le plus stimulant dans la compétition de cette année, on certainement attiser l'admiration et la curiosité parmi le jury de cette année qui pourrait l'aider à figurer dans les discussions de récompense. Cela pourrait signifier un prix d'acteur pour Magimel ou même un Grand Prix si le respect du cinéma est élevé avec de nombreux jurés, mais la nature sans but du récit signifie qu'elle peut ne pas être assez cohérente pour marquer le consensus nécessaire à la palme.
8. "Mère et fils"
Le premier film de Léonor Serraile dans la compétition de Cannes suit ses débuts en 2017, la gagnante de la caméra d'Or «Jeune Femme», et son deuxième effort est la preuve que son premier long métrage n'était pas un coup de chance. Un regard émouvant sur les expériences de la mère célibataire Rose (Annabelle Lengronne) qui immigre à Paris de la Côte d'Ivoire avec ses deux jeunes fils, le film est raconté par l'un des garçons de son point de vue adulte alors que les événements se déroulent à la fin des années 1980. Le drame est léger sur d'énormes rebondissements de l'intrigue et lourds de texture, car il suit Resing à travers une série de relations avec des hommes qui ne peuvent pas tout à fait gélifier avec le reste de son unité familiale, et les garçons ont du mal à s'intégrer. Alors que son fils aîné tombe dans ses années d'adolescence et a des ennuis, «Mère et fils» évolue vers une enquête intrigante sur l'identité française et les défis qu'il présente à un étranger dans l'espoir de le mélanger. Le film pétille avec le temps alors qu'il progresse vers nos jours et équivaut à une série de scènes bien dirigées plutôt qu'à un plus grand ensemble. Cela en fait un candidat difficile pour la Palme, même si c'est le film final à projeter en compétition. Certains jurés pourraient vouloir le récompenser pour des performances ou un script, mais il est difficile de le voir remporter le premier prix sur des œuvres plus cohésives cette année.
7. "Courtier"
Parmi les vétérans de Palme d’Or au festival de cette année, le Japon Hirokazu Kore-Eda a particulièrement bien réussi avec les aperçus de la foule émotionnels. Son approche subtile des drames familiaux a donné des éloges extatiques à tout, de «comme père, comme fils» aux «voleurs à l'étalage», qui lui ont valu la palme et finalement une nomination aux Oscars. Le cinéaste est entré dans une nouvelle phase de carrière intrigante en dehors du pays, d'abord avec la production française de 2019 «The Truth» (qui a été créée à Venise), et maintenant cette sortie coréenne qui le ramène sur un terrain familier. Cette fois, il suit une paire d'hommes (gang dong-won et "Parasite" Star Song Kang-ho) qui dirige une bousculade souterraine pour vendre des bébés sur le marché noir après avoir été abandonné dans une église. Après avoir été confrontés à la mère avec remords (Lee Ji-eun) à propos de leur plan, elle décide de se lancer avec eux lors d'un road trip pour trouver l'enfant une nouvelle maison. Pendant ce temps, une paire de policiers féminins traîne le trio, alors que le «courtier» s'installe dans le genre de dramatique légère avec des émotions plus profondes qui s'attardaient sous la surface que Kore-Eda fait si bien. Les éléments de genre familiers en jeu ici - le road trip en particulier - simplifient la procédure dans une certaine mesure, même si la direction habile de Kore-Eda reste intacte. Le jury peut apprécier certaines des observations sur les obligations et les obligations familiales, ce qui pourrait les obliger à attribuer quelque chose au film pour son script ou ses performances. Une victoire de Palme n'est pas non plus hors de question, car la prémisse est suffisamment convaincante pour laisser une marque et Kore-Eda est définitivement le genre de cinéaste bien positionné pour rejoindre le club à deux temps. Mais le jury peut également se sentir plus fort à propos d'autres films avec une émotion plus intense et une ambition de cinéma.
6. "Tori et Lokita"
Les cinéastes belges Luc Dardenne (R) et Jean-Pierre Dardenne (L)
Peu de cinéastes prospèrent à Cannes mieux que le duo belge Jean-Pierre et Luc Dardenne, dont l'approche intense du réalisme social a fait un long chemin dans ces régions. Les frères et sœurs ont remporté la Palme d'Or deux fois, pour "Rosetta" et "The Child", en plus d'un prix de scénario pour "Lorna’s Silence" et le Grand Prix pour "The Kid with a Bike."Leur dernier est une autre étude de caractère opportun, dans ce cas, se concentrant sur une paire d'immigrants africains qui passent en tant que frère et sœur tout en essayant d'obtenir leurs papiers d'immigration. Dans une tentative de stabiliser leur existence, Lokita (Joely Mbundu) se débrouille avec le trafic de drogue tout en traçant une vie meilleure et espère amener Tori (Pablo Schils), 11 ans,. Mais les choses deviennent très mauvaises très rapidement alors que la narration économique des Dardennes entre en jeu, et le film évolue vers un thriller en temps réel dans les délais. Comme d'habitude, la narration intense des Dardennes palpite avec colère contre la disparité économique et la violence qui ne facilite pas les choses pour ses téléspectateurs jusqu'à la finale troublante. Le poids émotionnel du drame pourrait avoir un effet durable sur le jury de cette année, mais personne n'a gagné la Palme trois fois auparavant, et la concision du film signifie qu'elle pourrait être perçue comme trop «petite» pour le premier prix. Pourtant, il est certain de rester dans la conversation en tant que l'une des réalisations du cinéma les plus fortes de la compétition de cette année, et se tient bien à gagner quelque chose à la fin de la journée.
5. «Temps d'Armageddon»
Au fil des ans, Cannes a été un public beaucoup plus réceptif à James Gray que son public chez lui dans le U.S. Le festival a projeté cinq de ses huit traits au festival: «The Yards», «Nous possédons la nuit», «The Immigrant», «Two Lovers» et maintenant «Armageddon Time."En tant que réalisateur américain avec des sensibilités européennes, le penchant de Gray pour les drames familiaux intimes a souvent bien performé avec le public du festival, bien que la Palme d'Or ait été insaisissable tout ce temps. Son dernier peut le rapprocher que ses efforts précédents, ne serait-ce que parce que c'est un projet personnel si évident conçu pour rendre ses émotions accessibles au public. La pièce d'ensemble du Queens-Set des années 1980 suit un jeune garçon juif (Michael Banks Repeta) qui se lie d'amitié avec un jeune camarade de classe afro-américain (Jaylin Webb) tout en affrontant les attentes menaçantes de ses parents (Anne Hathaway et Jeremy Strong) ainsi que son immigrant Grand-père (Anthony Hopkins). Même en tant que pièce de nostalgie familière et émotionnellement résonnante, «Armageddon Time» a beaucoup dans son esprit sur l'impact de la classe et du privilège sur l'Amérique moderne, il est donc possible que le jury de Cannes puisse trouver un consensus sur ce front. En même temps, la perspective étroite du film (c'est une perspective blanche sur le racisme) peut frotter certains des jurés dans le mauvais sens, et il manque le genre d'ambition cinématographique qui peut être plus susceptible d'exciter les cinéastes parmi eux. Lisez la critique d'Indiewire ici.
4. «Crimes du futur»
«Crimes du futur»
Courtsy Everett Collection
David Cronenberg est revenu à Cannes avec son premier long métrage depuis 2014 Entrée de Cannes «Maps to the Stars», et l'enthousiasme pour sa vision dystopique de la physique ne pourrait pas être plus élevé. Le scénario de deux décennies du réalisateur sur quelques artistes de performance (Viggo Mortensen et Lea Seydoux) qui suppriment les organes artificiels sur scène comme une sorte de performance surréaliste, explore l'interaction de la technologie et de l'identité d'une manière qui se sent fraîche et anticipée même qu'ils soient Invitez beaucoup de débat. Compte tenu du jury lourd du cinéaste, le film est définitivement à surveiller: les réalisateurs ont une admiration énorme pour la vision complexe et singulière du cinéaste de 79 ans derrière la caméra ainsi que sa résilience; Le mélange du film d'idées opportunes et de provocations cinématographiques suggère également le potentiel d'un prix majeur. En même temps, le travail de Cronenberg peut être aussi déroutant que perspicace et ambitieux. Certains qui l'ont vu au festival ont beaucoup de questions sur ce qu'ils viennent de regarder. Si le président du jury, Lindon, est l'un d'eux, il peut repousser une victoire de Palme. Pour l'instant, cependant, celui-ci semble être un concurrent fort pour de nombreuses raisons, y compris l'argument convaincant «c'est son temps»: Cronenberg a été à Cannes à plusieurs reprises, et a même dirigé le jury lui-même en 1999 - mais contrairement à d'autres vétérans de la compétition Cette année, n'a pas encore gagné la Palme. Lisez la critique d'Indiewire ici.
3. "Se pointer"
Le premier film de Kelly Reichardt en compétition est un monde en dehors de la «première vache» des années 2020, et pas seulement parce qu'il se déroule dans le présent. Ici, plutôt que d'explorer une vaste étendue du Pacifique Nord-Ouest, le cinéaste amplifie le sort de l'artiste moderne. C'est Lizzy (Michelle Williams, dans sa quatrième collaboration avec le réalisateur), une céramiste de Portland curmudgeonly émouflée dans le processus névrotique de préparation d'un nouveau spectacle tout en luttant pour payer le loyer à son propriétaire d'artiste (Hong Chau) et à la dispute avec le reste de son instable Famille créative (y compris un frère mentalement malade joué par la star de «First Cow» John Magaro). Personne ne fait du euphémisme comme Reichardt, et son nouveau film est encore un autre flux constant de moments subtils, bien qu'ils s'accumulent dans une étude de personnage agréable avec des éclats de comédie et de profondes informations sur les effets aliénés du désir créatif. (Il y a aussi une sous-intrigue impliquant un pigeon blessé qui se trouve en deuxième position après «EO» comme la grande déclaration des droits des animaux du festival de cette année.) Même à son meilleur, le style de Reichardt est un goût acquis, et certains membres du jury de cette année peuvent sentir que le récit en sourdine est si lent. Mais le film est l'un des titres les mieux évalués de la compétition de cette année, avec suffisamment d'intelligence et de vision singulière pour se démarquer d'un paquet occupé de titres. Il devrait à tout le moins figurer dans certaines discussions sur les diverses récompenses en jeu. Lisez la critique d'Indiewire ici.
2. "EO"
À 84 ans, l'auteur polonais Jerzy Skolimoski n'a rien perdu de son penchant pour l'ambition cinématographique, et cette mise à jour moderne de "Au Hasard Balthazar" de Robert Bresson est un régal inattendu: une histoire presque sans mot de l'âne titulaire (le titre se traduit par «Hee Haw ») Alors qu'il endure un voyage de vignette à travers différentes mains humaines alors que son cas constant prend la valeur métaphorique. Une saga végétalienne semblable à la «vache» et au «gunda», la méditation de Skolimoski sur l'intelligence animale au milieu de l'indifférence humaine n'est pas exactement complexe, mais c'est poignant et engageant tout de même. Le jury pourrait être enclin à récompenser le film pour son utilisation astucieuse du langage cinématographique et de la réputation de longue date de Skolimoski. Certains pourraient le trouver trop léger pour le grand prix - mais cette très légèreté est aussi ce qui rend le film accessible, et sa prémisse a le pouvoir de s'attarder suffisamment pour les jurés lire la critique d'Indiewire ici.
1. "Fermer"
Le retour du réalisateur belge Lukas Dhont à Cannes suit son premier effort, «Girl», qui a remporté la section des Nations Unies en 2018 en 2018. Maintenant, à l'âge de 30 ans, Dhont pourrait très bien devenir le plus jeune réalisateur à attraper la Palme depuis qu'un Steven Sodbergh, 26 ans à 24 pour la co-direction de «le monde silencieux» avec Jacques Cousteau). Le drame sensible de Dhont examine un garçon de 12 ans Leo (Eden Dambrine) qui s'occupe des retombées d'une tragédie impliquant le meilleur ami Remi (Gustav de Waele). Bien que certains critiques aient eu du mal avec les détails de cette torsion, l'approche de réalisateur confiante de Dhont apporte un niveau d'authenticité au matériel qui pourrait facilement se transformer en mélodrame mopey, et fonctionne plutôt comme un regard astucieux sur le désir queer en plein essor ainsi que sur le chagrin précoce. Le jury de cette année, le cinéaste, est susceptible d'apprécier le mélange de la confiance du cinéma, des performances solides et de l'accessibilité émotionnelle, un acte de jonglerie délicat qui rend le film beaucoup plus susceptible de rester un concurrent en palme que d'autres titres plus diviseurs. Même si certains jurés ont des réservations sur les aspects de «Close» (que A24 a acheté pour vous.S. Distribution au festival), c'est un titre de consensus plus évident que toute autre chose dans la compétition. Lisez la critique d'Indiewire ici.
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